Professor Philip Pavlov (PhD), is een van de meest succesvolle Bulgaarse muzikanten op het gebied van hedendaagse muziek als pianist en componist. Hij studeerde af met piano en compositie aan de National School of Music. Daarna specialiseerde hij zich in Compositie in Amsterdam. In zijn bijna 50-jarige carrière-ervaring heeft hij aan meer dan 1000 concerten in Bulgarije en Europa bijgedragen. Hij heeft aan talloze studiosessies, solo- en ensemblemuziek voor BNT, BNR en internationale labels gewerkt. Tevens doceert hij aan de NMA en aan de Southwest University in Blagoevgrad. Hij is in het bezit van talrijke prijzen van nationale en internationale concoursen in Europa. Hieronder vallen het pianoconcours "Synergia" en het componisten concours "Valentino Bucchi" in Italië en nog veel meer. Philip Pavlov is een componist in een breed spectrum van genres voor symfonische, ensemble- en vocale muziek. Koperblazers spelen een belangrijke rol in zijn werk. Professor Pavlov heeft tot nu toe de enige twee concerten in Bulgarije geschreven voor solotrombone en orkest, evenals vele ensemblestukken voor trombone, piano en diverse brassbands.

Professor Pavlov is onze gast in het project "Stories About Brass" in een interview, geïnspireerd op een favoriete film, beginnend met "Once upon a time in a galaxy far far away..." Ons gesprek veranderde in een geluidsimpressie van een reis in het continuüm van Ruimte en Tijd met vrije associaties, gerelateerd aan trombones en hun fascinerende klankmogelijkheden.

Van het geluidsuniversum tot de koperen Melkweg - waarom klinkt deze vergelijking zo natuurlijk en logisch voor ons?
Als we naar geluid kijken als een universum om ons heen, lijkt koper het dichtst bij deze galactische dimensies te staan, en ik bekijk het vanuit het perspectief van menselijke stemmen. In feite is het koper de absolute identificatie van alle mogelijke menselijke stemmen - van hoog tot laag. Als je kijkt naar de geluidsemissie, is het net zo uitdagend en emotioneel als een optreden met alleen een menselijke stem. Het feit dat deze instrumenten in de afgelopen 3-4 eeuwen zo veel hebben getransformeerd en veranderd, toont aan dat ze zeer noodzakelijk waren voor de samenleving. Dat is de reden waarom ze deze snelle opkomst hebben ondergaan, deze opmerkelijke bloei in het creëren van nieuwe instrumenten.

En als we teruggaan en kijken naar de Kornetten. Deze opmerkelijke instrumenten, zo typerend voor Bachs werk en barokmuziek, waarderen we ze vandaag niet, en ze zijn gewoon onvergelijkbaar. Er zijn ook maar weinig mensen die ze tegenwoordig kunnen spelen. Het koper zelf is dus een indrukwekkend fenomeen, zowel qua mechanica als qua geluid, omdat het echt buitengewone dimensies heeft - vocale dimensies. En zijn aspecten, vormen en combinaties zijn onvoorstelbaar talrijk. In de geschiedenis zijn er composities geweest van 6, 7 of zelfs 20 instrumenten van hetzelfde type. Duitsland is in dit opzicht emblematisch. Bijvoorbeeld Tsjechië - het land waar deze kunst van koperen instrumenten vandaan komt.

Onze school is daar eigenlijk vandaan gekomen, direct na de Bevrijding.
In het begin, ja. Maar het is goed dat we een Bulgaarse school hebben. Ik zou zeggen dat we al jaren een goede school hebben voor de opleiding van koperblazers. We mogen niet klagen over het geërfde goed dat door kwaliteitsmuzikanten wordt gebracht.

Veel van onze koperblazers spelen in prestigieuze orkesten in het buitenland.
Toen ik in 2019 naar het concert van Slokar Quartet luisterde, dacht ik precies dit: er een Bulgaar in hebben, betekent dat naast de persoonlijke bijdrage van elke instrumentalist die erin slaagt om lid te worden van zo'n ensemble, er ongetwijfeld een pedagogische bijdrage achter zich. We kunnen dus blij zijn met de moderne pedagogiek die we hebben. De concerten die worden gehouden, de buitenlandse belangstelling voor onze musici, het bezoek van docenten uit het buitenland, dit laat zien dat je kunt rekenen op de koperblazerscultuur, die de afgelopen jaren is gegroeid.

Sterker nog, dit is ons belangrijkste doel: de motivatie van jonge talenten om hun opleiding in ons land voort te zetten en zich hier te realiseren.
Het probleem is complex en heeft natuurlijk zijn sociale dimensies. Ik ken geen Bulgaarse muzikanten die de Bulgaarse pedagogiek en liefde voor Bulgaarse kunst niet in zich hebben gehouden. Ik heb het over kwaliteitsmuzikanten, want die van lage kwaliteit kunnen gaan en staan ​​waar ze willen. Het belangrijkste is dat er hier minder, maar veel kwaliteitsmuzikanten zijn. Zeker met de beperkte banen die we ze kunnen bieden. Messing is een zeer grote geschiedenis van cultuur, een geschiedenis van beschaving. Het feit dat er bij de kroning van Koningin Elizabeth I een koperkwintet speelt, weet ik niet anders te definiëren, behalve dat ze toen al de ontwikkeling van koperensembles in Bulgarije zagen! 🙂

De reis in het ruimte-tijd continuüm wordt steeds interessanter!
Maar als we serieus zijn, toont dit de plaats aan die deze instrumenten in het publieke bewustzijn innemen. Het belangrijkste is dat hun doel als vertegenwoordiger, als feest, heel gemakkelijk te bewijzen is. Ik denk dat dit komt door hun eigen geluidsemissie, uit hun karakteristiek om de ruimte te veroveren met kwaliteit, verzadigd en impactvol geluid. Juist de concentratie van mensen die deze schitterende instrumentatie zien, wekt bij hen een bijzondere verwachting. Meestal brengt de intrede van dit soort orkesten veel discipline, representativiteit, en daardoor richt de samenleving zich vakkundig op de respectieve reactie die van haar wordt verwacht. En als we cavalerie (glanzende) uniformen toevoegen, zijn we eigenlijk al eeuwen gewend om deze officiële viering op deze manier voor te stellen. Als een fanfarewereld die op het punt staat iets heel waardevols en heel belangrijks aan te kondigen.

Het optreden van elk van de muzikanten in deze orkesten is van cruciaal belang …
Dat klopt. En dat is enorm belangrijk en motiverend voor jonge muzikanten. Ze moeten weten dat dit uiterst waardevolle instrumenten zijn, en niet alleen omdat het opmerkelijke mogelijkheden biedt voor het uitvoeren van vaardigheden…
En het is het minst ontwikkeld in koperblazers en dit is een zeer grote fout. Ik heb altijd de stelling verdedigd dat koperblazers als solo- en concertinstrumenten volkomen onterecht verwaarloosd worden. Ik weet niet waarom. Er zijn twee, drie, vier trombonisten in een orkest (zelfs acht als het orkest groot genoeg is) en elk van hen is verantwoordelijk voor wat ze 'produceren' en voor wat er wordt gehoord. En als collega's (meestal van de strijkers) lachen en zeggen: "Kom op, kijk eens welke tonen je daar moet spelen", beseffen ze op dat moment niet eens dat 14-20 mensen in één stem spelen, en op de andere kant speelt een persoon een stem. En iedereen kan het mis hebben. Maar je vermommen als koperblazer is simpelweg onmogelijk. In feite kunnen we de kwaliteiten van deze artiesten onmiddellijk waarderen, ze zijn altijd minder in aantal en moeten van de hoogste kwaliteit zijn.

Waarschijnlijk is dit de reden voor u om koperblazers als solo-instrumenten te gebruiken?
Enerzijds is dit mijn totale positie. Niet dat ze als solisten niet worden aangetast, maar dat ze onterecht in een hoek worden geduwd achter een zeer rijk instrumentarium van andere artiesten. Wanneer deze artiesten op het podium komen, moeten ze volledig foutloos zijn.

Messing heeft een heel andere kwaliteit. Het heeft altijd de sound die we (ik bedoel de componisten) verwachten: heel krachtig op een bepaald moment. We kunnen ons de ontwikkeling van de dramaturgie van welk werk dan ook - vooral een symfonisch werk - niet voorstellen zonder koperblazers op de meest gedetailleerde momenten. Dit betekent dat de impact van dit instrument uitzonderlijk is. Als je geen belangrijke momenten hebt in de orkestmuziek, gewijd aan de koperblazers, verlies je ...

Laten we het hebben over de trombone als solo-instrument en uw interesse erin.
Als ik voor de trombone schrijf, is elk stuk dat ik heb geschreven omdat ik het uitzonderlijke scala aan geluidsmogelijkheden waardeer. Ik was niet zo geïnteresseerd in de technische mogelijkheden zoals snelheid, passagetechnologie, enz. Ik was geïnteresseerd in deze geluidsemissie. De trombone bevat alle klanken van de trompetten, de hoorns, de tuba. Hij kan al deze tools gewoon op het juiste moment nabootsen. Het is erg flexibel. En dit is iets unieks.

Bij de creatie van hedendaagse muziek (voor trombone) is het belangrijkste om een ​​evenwicht te vinden tussen de spirituele relaties tussen uitvoerders en componisten. En meestal is het in handen van de artiesten. Omdat ze een breder repertoire nodig hebben. Als je de componisten met rust laat, schrijven ze misschien niets, terwijl de uitvoerders altijd op zoek zijn naar iets nieuws en van hoge kwaliteit. Dus ik kan zeggen dat de Bulgaarse compositieschool op sommige gebieden veel dank verschuldigd is aan instrumentalisten en zangers. Omdat geweldige artiesten een verlangen naar creativiteit oproepen.

U bent de auteur van het eerste Bulgaarse concert voor trombone en orkest. En de tweede. Maar u heeft nog geen concerto geschreven voor bijvoorbeeld hoorn, tuba of trompet...
Dit is een thema dat vaak naar voren komt in de creatieve wereld van de componist. Er is een innerlijke houding. De trombone is veel dichterbij als een manier van denken, als geluid, als emotie voor mij. Het geeft me een beetje meer verlangen naar creativiteit. Ik hou erg van de hoorn als instrument. In feite was het eerste stuk koper dat ik schreef voor 4 hoorns. Per slot van rekening kunnen 4 hoorns één trombone vervangen! 4 omdat dit soort kamermuziek in mijn gedachten is gebleven. Een vereniging van het symfonieorkest natuurlijk. Prof. Karafezliev was zo vriendelijk om dit kwartet voor 4 trombones te herzien. Ik ben benieuwd hoe het gaat klinken.

Interessant genoeg schreef ik maar één koperkwintet, hoewel ik er meer wilde schrijven. Maar het volgende dat ik schreef was een blaaskwintet - 4 houten en een hoorn. In feite is dit nog steeds een niet uitgevoerd stuk werk. Ik heb het koperkwintet speciaal de naam "Male Dance" gegeven. We hebben het niet over elementaire picturale middelen, maar over de beelden die deze instrumenten voor mij hebben gecreëerd. En waarom mannendansen? Omdat koperblazers klinken als een manifestatie van mannelijkheid, misschien vanwege het uiterlijk van de instrumenten zelf, misschien omdat hun artiesten meestal mannen zijn. Ik zeg niet dat deze instrumentatie mannelijk of vrouwelijk is, ik heb zelf vrouwen geholpen om naar Bulgarije te komen. Uitvoerders van koperblazers. Enige tijd geleden heb ik een project gedaan met het Burgas Philharmonic. Als onderdeel daarvan had ik twee vrouwelijke Waldhorn-spelers uit Londen uitgenodigd. Tot op de dag van vandaag herinneren collega's in Burgas zich hoe ze speelden.

Laten we het hebben over de twee tromboneconcerten. Ze zijn heel verschillend, alsof ze door twee verschillende componisten zijn geschreven. Ik vraag me af hoe een derde concert er uit zou zien?
We zullen geen commentaar geven op dit derde concert, omdat ik niet weet hoe het eruit zou zien. Het verschil tussen de eerste en de tweede is echter vrij groot. En van daaruit kan ik niet meer zeggen of ik als componist benadering of groei van de componist niet kan zeggen. Voor mij is dit altijd een van de meest schadelijke onderwerpen in de musicologie geweest: "In de eerste periode van de componist, en in de tweede periode... en in de derde!" Ik begin dan altijd na te denken over wat er zal gebeuren in de vierde periode van de componist als hij zijn verstand niet verliest, want ik kan me zulke perioden niet voorstellen van Mozart, van Schubert. Slechts één componist denkt en schrijft op de ene manier, en in nieuwe werken denkt hij op een andere manier, want wanneer hij veelzijdige, diverse creativiteit creëert, betreedt hij nieuwe gebieden van zijn eigen denken en emoties. Misschien is dit de reden voor de zichtbare verschillen tussen mijn twee concerten. Ze hebben echt niets gemeen.

De eerste is opgedragen aan prof. Momchilov. Het tweede concert is niet opgedragen aan Prof. Karafezliev, maar ik heb de première en de opnames van dit concert alleen aan hem toevertrouwd. Ik denk niet dat er nog een opname moet komen, aangezien de kwaliteit van de opname echt heel hoog is. Als onderdeel van deze relatie heb ik veel andere trombonemuziek geschreven. Ik werd opgeleid en studeerde samen met zijn optreden tijdens mijn concert. Want de componist groeit met elke indruk die hij opdoet.

En het derde deel van het Tweede Concert?
Ja, de Scherzosonate. Ik had nog nooit zo'n uitgebreid stuk geschreven in een instrumentaal concert. Omdat ik misschien meer dan 10 geweldige concerten heb geschreven voor verschillende artiesten. Maar het ontvouwde zich op de een of andere manier, en in dit derde deel lijken de meest uiteenlopende emoties geassocieerd met het trombonespel. Zowel de nuances als de techniek, even als evenwichtsorkest, solist, enz. En het bleek succesvol te zijn.

Denkt u erover om een ​​Derde Concerto voor trombone en orkest te creëren?
Of er een derde concert komt kan niemand zeggen, want dit is een attitude. Zo was het met de tweede. Niemand heeft me "onder druk gezet" om het te schrijven. Sterker nog, ik had al besloten dat ik een ander soort werk voor dit instrument wilde maken. Op dezelfde manier creëerde ik bijvoorbeeld mijn eerste en tweede vioolconcert. Het eerste concerto was voor viool en strijkers, het tweede - voor symfonieorkest. Ik heb experimenten gedaan die belangrijk zijn voor mij, voor mijn ontwikkeling als auteur. Drie pianoconcerten - alle drie verschillend. Het eerste concert was mijn ontdekking dat een opeenvolging van kwartjes muziek kon maken. In feite kun je nooit nalaten deze combinaties te gebruiken die al eeuwenlang de kern vormen van alle muziek. Het is niet mogelijk om ze helemaal niet te gebruiken om een ​​groot componist te zijn, want dat maakt je tot een verspreide componist (je weet niet precies wat je doet). Voor mij is dit de muziek van de dodecafonie. Herhaal niets. Welnu, als niets wordt herhaald, wordt er niets onthouden. Dit is de situatie... 
Dit zijn wiskundige berekeningen in miljoenen combinaties en wat? Welke van deze combinaties zal de auteur presenteren? Ik weet dat aan het begin van de 20e eeuw, wanneer je 2-3 maten van een werk speelt, mensen de componist onmiddellijk herkennen.

Zelfs geen 2-3 maten, maar 3 seconden - in muziek is dit zoveel tijd...
Wel, ja. Dit is de betekenis van muziek: stijl, denken, nationaliteit onmiddellijk herkennen. Alles bestaat in de muzieknotatie. Laten we dus normale componisten zijn.

Laten we het hebben over de transcripties van werken voor verschillende instrumenten, gemaakt door hun eigen auteurs of andere muzikanten...
Ik laat mijn werken meestal niet aanraken of je het leuk vindt of niet, dat is wat ik schreef. Echter, 2 tot 3 keer heb ik collega's mijn spullen laten herwerken en er zijn interessante successen. Dit doet me denken aan onze grote componisten en vooral Vladigerov - ze hebben zoveel transcripties van hun werken gemaakt en dat is geen toeval. Zo kunnen de werken door een andere artiest worden gepresenteerd en kan de ene kwaliteitsmuziek aan verschillende eisen voldoen. Zoals Bachs muziek verandert van vocaal naar instrumentaal, zo kan het schrijven voor snaarinstrumenten worden overgebracht naar houtblazers.

Laten we het hebben over de Scherzo-sonate voor trombone en piano - oorspronkelijk ontworpen voor alttrombone in opdracht van Stephen Anderson…
Deze opdracht was een aanleiding om meer naar alttrombone muziek te luisteren, om te kijken wat de technologische verschillen zijn, want er zijn verschillende benaderingen qua uitvoering. Dit is een werk dat ik speciaal voor dit instrument wilde schrijven. Ik heb zelden over een voor mij onbekend instrument willen schrijven. Het compositorische risico is hier niet zo verschrikkelijk als het mislukken van de solist om te schitteren. Wanneer er zulke grote beroemdheden zijn die op bezoek komen, wanneer er zulke ideeën zijn, wordt een nieuw soort creativiteit geboren. De componist groeit en betreedt nieuwe kennis, nieuwe kennisstadia. Het goede is dat de trap in verschillende richtingen kan leiden naar links, naar rechts en omhoog. Want het komt wel eens voor dat je heel hoog de trap op gaat, maar je geen artiesten hebt. En je moet terug. Bij blaasinstrumenten gebeurt dit echter niet. Want iedereen komt op het podium als ze al heel groot zijn. En dat is het goede eraan.

Dit is zeer constructief maximalisme.
Dat klopt. Je kunt je niet verstoppen, er is geen manier. Elk geluid, elke toon, alles wat je bereikt, moet foutloos zijn om de geschreven noten te realiseren. Er zijn andere instrumentalisten die verschillende (andere) dingen op het podium doen, zwaaien, bewegen. Niet zoiets. Het is geen toeval dat er gevestigde gedragspatronen zijn. Ik had het geluk om misschien het (voorlaatste) optreden van Claudio Arau te horen, kort voordat ik afscheid nam van onze wereld. En ik zag een man die gewoon speelt en echt alles doet. En het is helemaal niet nodig om te springen, te gooien, emoties te tonen. Sterker nog, wij in het publiek vroegen ons zelfs af hoe het mogelijk was om niet terug te deinzen en te bewegen en alles te horen. Dit is de grote kunst. Geluid is wat de ruimte regeert. Als je dit eenmaal hebt bereikt, is dat het.

Je beschrijving doet me denken aan de optredens van Glenn Gould.
Als je Glenn Gould noemt, heb ik ook veel van zijn opnames beluisterd. Toevallig hebben we hem niet bij veel concerten beluisterd. En ik denk dat hij het op tijd opgaf. Waarom? Laten we zeggen dat ik in de muziek van Bach (die als opname onbereikbaar is), elke stem hoor en zelfs zijn gezicht zie als vertolker van hoe hij die stem behandelt met de gepaste gezichtsuitdrukkingen. De visie die ik krijg door alleen maar naar muziek te luisteren, is genoeg om zijn genialiteit te begrijpen. Dat gevoel had ik bijvoorbeeld ook toen ik naar de opnames van Boris Hristov luisterde. Ik zie hem spelen op het podium, of het Filips II zal zijn, Boris Godunov, of hij iemand anders zal zijn, het maakt niet uit, ik zie hem bewegen op het podium, want zijn stem verbeeldt dat.

Je samenvatting als componist over je lange reis door het muzikale koperuniversum?
Het grootste geluk voor een componist is niet om geluidsopnames te hebben. Maar wanneer hij naar zijn werk op plaat luistert, om zich de uitvoerder voor te stellen die het heeft gemaakt. Wat een prestatie van beide kanten betekent. Dat de uitvoerder deze diepte van muziek kan inspireren en dat de componist is erin slaagt, de kunstenaar uit te dagen om naar deze dimensies te zoeken. Dit is de grote kunst.
En ik zou dit zeggen: als we de schoonheid van de wereld willen volgen, laten we beginnen met een van de vocale instrumenten. Want wat de wereld in de afgelopen eeuw het meest aan muziek heeft verloren is de lineaire ontwikkeling, die een rijke harmonische structuur bevat. Daarom kunnen we niet meer onderscheiden welk werk door welke componist is geschreven. Dit zijn enkele equilibristen, manieren om perfect en uniek te zijn, wat onmogelijk is... 
Eenstemmig in een instrument is een groot goed. Deze instrumenten hebben een groot potentieel om allerlei melodische structuren te laten zien. Prachtige muziek maken met één stem is een prestatie van een geweldige componist!

Het interview is beschikbaar in het Engels en Bulgaar

Het project BRASS STORIES wordt ondersteund door het 
Nationaal Fonds voor Cultuur van de Republiek Bulgarije